El mito de la blancura en la escultura clásica Griega

Las estatuas griegas y romanas se pintaban a menudo, pero las suposiciones sobre raza y estética han suprimido esta verdad. Ahora los eruditos están haciendo una corrección de color.

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Los investigadores demuestran el proceso de aplicar color a la cabeza de Treu, a partir de una escultura romana de una diosa, realizada en el siglo II a. C. Las esculturas antiguas a menudo se pintaban con colores de cabello vibrantes y tonos de piel. Fotografía de Mark Peckmezian para The New Yorker.

Mark Abbe fue emboscado por el color en 2000, mientras trabajaba en una excavación arqueológica en la antigua ciudad griega de Afrodisias, en la actual Turquía. En ese momento, era un estudiante graduado en el Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York y, como la mayoría de las personas, pensaba en las estatuas griegas y romanas como objetos de mármol blanco puro. Los dioses, los héroes y las ninfas que se exhiben en los museos se ven de esa manera, al igual que los monumentos y estatuas neoclásicas, desde el Monumento a Jefferson hasta el César ubicado en el exterior de su palacio en Las Vegas.

Afrodisias fue el hogar de un grupo próspero de artistas de alta gama hasta el siglo VII d. C., cuando un terremoto causó su ruina. En 1961, los arqueólogos comenzaron a excavar sistemáticamente la ciudad, almacenando miles de fragmentos escultóricos en depósitos. Cuando Abbe llegó allí, varias décadas más tarde, comenzó a hurgar en los depósitos y se asombró al descubrir que muchas estatuas tenían manchas de color: pigmento rojo en los labios, pigmento negro en los rizos de cabello, dorado en forma de espejo en las extremidades. Durante siglos, los arqueólogos y curadores de los museos han estado limpiando estos vestigios de color antes de presentar estatuas y relieves arquitectónicos al público. “Imagina que tienes el cuerpo inferior intacto de una estatua masculina desnuda tendida en el piso del depósito, cubierta de polvo”, dijo Abbe. “Lo miras de cerca y te das cuenta de que todo está cubierto de trozos de hoja de oro. ¡Oh Dios mío! El aspecto visual de estas cosas era totalmente diferente de lo que había visto en los libros de texto estándar, que en todo caso tenían solo placas en blanco y negro ”. Para Abbe, quien ahora es profesor de arte antiguo en la Universidad de Georgia, la idea de que los antiguos despreciaban el color brillante “es la idea falsa más común sobre la estética occidental en la historia del arte occidental”. Es, dijo, “una mentira que todos apreciamos”.

A principios de los años ochenta, Vinzenz Brinkmann tuvo una epifanía similar mientras cursaba una maestría en clásicos y arqueología de la Universidad Ludwig Maximilian, en Munich. Como parte de un esfuerzo por determinar qué tipo de marcas de herramientas se podían encontrar en la escultura de mármol griega, ideó una lámpara especial que brilla oblicuamente sobre un objeto, destacando el relieve de su superficie. Cuando comenzó a escudriñar esculturas con la lámpara, me dijo que “comprendió de inmediato” que, si bien había pocas señales de herramientas en las estatuas, había una evidencia significativa de policromía, en todo el color. Él también se sorprendió al saber que un aspecto fundamental de las estatuas griegas “había sido tan excluido” del estudio. Dijo: “Comenzó como una obsesión para mí que nunca ha terminado”.

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Una reconstrucción en color de una estatua de mármol, basada en restos de pigmento sobrevivientes. Fotografía de Mark Peckmezian para The New Yorker.

Brinkmann pronto se dio cuenta de que su descubrimiento apenas requería una lámpara especial: si estaba mirando de cerca una antigua escultura griega o romana, parte del pigmento “era fácil de ver, incluso a simple vista”. Los occidentales habían participado en un acto de la ceguera colectiva. “Resulta que la visión es muy subjetiva”, me dijo. “Necesitas transformar tu ojo en una herramienta objetiva para superar esta poderosa huella”, una tendencia a equiparar la blancura con la belleza, el sabor y los ideales clásicos, y ver el color como extraño, sensual y llamativo.

Una tarde de este verano, Marco Leona, quien dirige el departamento de investigación científica del Museo Metropolitano de Arte, me dio un recorrido por las galerías griegas y romanas. Señaló un jarrón griego, del siglo III a. C., que representa a un artista pintando una estatua. Leona dijo de la policromía: “Es como el secreto mejor guardado que ni siquiera es un secreto”. Jan Stubbe Østergaard, ex curador del museo Ny Carlsberg Glyptotek en Copenhague, y fundador de una red internacional de investigación sobre policromía, dijo yo: “Decir que has visto estas esculturas cuando has visto solo el mármol blanco es comparable a alguien que viene de la playa y decir que han visto una ballena porque había un esqueleto en la playa”.

En los años noventa, Brinkmann y su esposa, Ulrike Koch-Brinkmann, que es historiador del arte y arqueólogo, comenzaron a recrear esculturas griegas y romanas en yeso, pintadas con una aproximación de sus colores originales. Las paletas se determinaron identificando manchas de pigmento remanente y estudiando las “sombras”, que son variaciones mínimas de la superficie que traicionan el tipo de pintura aplicada a la piedra. El resultado de este esfuerzo fue una exhibición itinerante llamada “Dioses en color”. Las versiones del espectáculo, que se lanzó en 2003, fueron vistas por tres millones de visitantes a los museos en veintiocho ciudades, incluidas Estambul y Atenas.

Las réplicas suelen dar un shock. Un arquero troyano, de aproximadamente 500 a. C., usa pantalones ajustados con un patrón de arlequín que es usa tan audazmente el color como las polainas de Missoni. Un león que una vez estuvo de guardia en una tumba en Corinto, en el siglo VI a. C., tiene una melena de azurita y un cuerpo ocre, que recuerda los artefactos mayas o aztecas. También hay reconstrucciones de figuras desnudas en bronce, que tienen una carne cariñosa: labios y pezones de cobre, barbas negras exuberantes, espirales arrugadas de vello púbico oscuro. (Las figuras clásicas de bronce a menudo estaban llenas de gemas para los ojos y con metales contrastantes que destacaban los detalles anatómicos o las heridas por goteo). A lo largo de la exposición, las réplicas de colores se yuxtaponen con moldes de yeso blanco de piezas de mármol, falsos que se parecen a lo que pensamos de como la cosa real.

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Una reconstrucción en color de la escultura, de la exposición “Gods in Color”. En esta reconstrucción, París viste el traje de los escitas, una tribu en Asia Central. Cortesía Liebieghaus Skulpturensammlung

Para muchas personas, los colores son discordantes porque sus tonos parecen demasiado llamativos u opacos. En 2008, Fabio Barry, un historiador del arte que ahora se encuentra en Stanford, se quejó de que una recreación audaz de una estatua del emperador Augusto en el Museo del Vaticano parecía “como un travesti que intentaba detener un taxi”. Barry dijo yo, en un correo electrónico, que todavía encontraba los colores excesivamente escabrosos: “Los diversos eruditos que reconstruyeron la policromía de las estatuas siempre parecían recurrir al tono más saturado del color que habían detectado, y sospeché que incluso tomaron una una especie de orgullo iconoclasta en esto: que la idea tradicional de la blancura total era tan apreciada que realmente iban a dejar claro que era colorido “.

Pero algo de la desorientación entre los espectadores se debe a la presencia de policromía. Østergaard, quien realizó dos exposiciones en el Glyptotek con reconstrucciones pintadas, dijo que, para muchos visitantes, los objetos “parecen sin sabor”. Continuó diciendo: “¡Pero es demasiado tarde para eso! El desafío es que intentemos entender a los antiguos griegos y romanos, no decirles que se equivocaron “.

Últimamente, este oscuro debate académico sobre la escultura antigua ha adquirido una urgencia moral y política inesperada. El año pasado, una profesora de clásicos de la Universidad de Iowa, Sarah Bond, publicó dos ensayos, uno en la revista de arte en línea Hyperallergic y otro en Forbes, argumentando que ya era hora de que todos aceptáramos que la escultura antigua no era blanca pura, y tampoco lo era la gente. del mundo antiguo. Una idea falsa, dijo ella, había reforzado la otra. Para los estudiosos clásicos, es un hecho que el Imperio Romano, que, en su apogeo, se extendía desde el norte de África hasta Escocia, era étnicamente diverso. En el ensayo de Forbes, Bond señala: “Aunque los romanos generalmente diferenciaban a las personas por su origen cultural y étnico en lugar de por el color de su piel, las fuentes antiguas mencionan ocasionalmente el tono de la piel y los artistas intentan transmitir el color de su carne”. La piel se puede ver en antiguos jarrones, en pequeñas figuras de terracota y en los retratos de Fayum, un notable tesoro de pinturas naturalistas de la provincia imperial romana de Egipto, que se encuentran entre las pocas pinturas sobre madera que sobrevivieron de esa época. Estos retratos casi de tamaño natural, que fueron pintados en objetos funerarios, presentan a sus sujetos una variedad de tonos de piel, desde el verde oliva hasta el marrón oscuro, lo que demuestra una mezcla compleja de poblaciones griegas, romanas y locales egipcias. (Los retratos de Fayum se han dispersado ampliamente entre los museos).

Bond me dijo que la habían conmovido para escribir sus ensayos cuando un grupo racista, Identity Evropa, comenzó a poner carteles en los campus universitarios, incluido el de Iowa, que presentaban estatuas de mármol blanco clásico como emblemas del nacionalismo blanco. Después de la publicación de sus ensayos, recibió una serie de mensajes de odio en línea. Ella no es la única clasicista que ha sido el objetivo de la llamada alt-derecha. Algunos supremacistas blancos se han sentido atraídos por los estudios clásicos debido a su deseo de afirmar lo que creen que es un linaje inmaculado de la cultura blanca occidental que se remonta a la antigua Grecia. Cuando se les dice que su comprensión de la historia clásica es errónea, a menudo se ponen molestos.

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Con la tecnología moderna, es más fácil recrear una escultura policromada antigua. Foto de Mark Peckmezian para The New Yorker

A principios de este año, la BBC y Netflix transmitieron “Troy: Fall of a City”, una miniserie en la que el héroe homérico de Aquiles es interpretado por un actor británico de origen ghanés. La decisión de casting provocó una reacción violenta en las publicaciones de derecha. Los comentaristas en línea insistieron en que el “verdadero” Aquiles era rubio y de ojos azules, y que alguien con una piel tan oscura como la del actor seguramente habría sido un esclavo. Es cierto que Homero describe el cabello de Aquiles como xanthos, una palabra que a menudo se usa para caracterizar objetos que llamaríamos amarillos, pero Aquiles es ficticio, por lo que la licencia imaginativa para lanzar parece perfectamente aceptable. Además, varios eruditos explicaron en línea que, aunque los antiguos griegos y romanos ciertamente notaban el color de la piel, no practicaban el racismo sistemático. Eran dueños de esclavos, pero esta población provenía de una amplia gama de pueblos conquistados, incluidos los galos y los alemanes.

Tampoco los griegos conciben la raza como lo hacemos nosotros. Algunas de las teorías raciales de los antiguos derivaban de la idea hipocrática de los humores. Rebecca Futo Kennedy, una clasicista de la Universidad de Denison, que escribe sobre raza y etnicidad, me dijo: “El clima frío te hizo estúpido pero también valiente, así que eso era lo que se suponía que era la gente del Extremo Norte. Y se pensaba que las personas a las que llamaban etíopes eran muy inteligentes pero cobardes. Sale de la tradición médica. En el norte, tienes mucha sangre espesa. Mientras que, en el sur, el sol te está secando y tienes que pensar en cómo conservar tu sangre “. La piel pálida de una mujer se consideraba un signo de belleza y refinamiento, porque mostraba que era lo suficientemente privilegiada. No tener que trabajar al aire libre. Pero un hombre de piel pálida fue considerado unmasculine: la piel bronceada se asoció con los héroes que lucharon en los campos de batalla y compitieron como atletas, desnudos, en anfiteatros.

En un ensayo para la revista en línea Aeon, Tim Whitmarsh, profesor de cultura griega en la Universidad de Cambridge, escribe que los griegos “se hubieran asombrado” por la sugerencia de que eran “blancos”. No solo hacen nuestras nociones modernas de Choque de raza con el pensamiento del pasado antiguo; al igual que nuestros términos para los colores, como queda claro para cualquier persona que haya tratado de concebir cómo era realmente un “mar oscuro como el vino”. En la Odisea, señala Whitmarsh, se dice que la diosa Atenea le devolvió a Odiseo una apariencia divina de esta manera: “Se volvió de piel negra otra vez y los pelos se volvieron azules alrededor de su barbilla”. En el sitio web Pharos, que era Fundado, el año pasado, en parte para contrarrestar las interpretaciones supremacistas blancas del mundo antiguo, un ensayo reciente señala: “Aunque existe una preferencia racista y persistente por una piel más clara sobre la piel más oscura en el mundo contemporáneo, los antiguos griegos consideraban una piel más oscura” para que los hombres sean “más hermosos y un signo de superioridad física y moral”.

El año pasado, los estudiantes de secundaria que participaron en un programa de verano en el Museo risdent, en Providence, se sintieron tan fascinados por aprender sobre la policromía en las estatuas clásicas que hicieron un libro para colorear que permite a los visitantes de la galería crear versiones en tonos brillantes de los objetos en exhibición. Christina Alderman, quien dirige el programa, me dijo: “En el momento en que descubrieron que las estatuas fueron pintadas originalmente, las perdí por esa idea. Eran, como, ‘Espera, ¿hablas en serio? He jugado a videojuegos ambientados en la antigüedad, y todo lo que veo son esculturas blancas. Veo películas y eso es todo lo que veo “. Fue una verdadera respuesta humana: sentían que les habían mentido”.

La idealización del mármol blanco es una estética nacida de un error. A lo largo de los milenios, a medida que las esculturas y la arquitectura fueron sometidas a los elementos, su pintura desapareció. Los objetos enterrados conservaban más color, pero a menudo los pigmentos se ocultaban bajo acumulaciones de suciedad y calcita, y se limpiaban con un cepillo. En los años ochenta, Russell Sturgis, un crítico de arte estadounidense, visitó la Acrópolis, en Atenas, y describió lo que sucedió después de que se descubrieron los objetos: “El color de todo esto pronto comenzó a caer y desaparecer. La hermosa estatua que se describió por primera vez yacía en una mesa en el museo de la Acrópolis en mayo de 1883, y ya se había quitado parte de su color; porque tal como estaba, estaba rodeada por un pequeño depósito de polvo verde, rojo y negro que había caído de ella ”. La pintura que sobrevivió a veces se ocultaba en los huecos: entre los mechones de cabello, o dentro de los ombligos, fosas nasales y bocas.

Con el tiempo, sin embargo, se apoderó de una fantasía. Los estudiosos argumentaron que los artistas griegos y romanos habían dejado sus edificios y esculturas al descubierto como un gesto puntiagudo; ambos confirmaron su racionalidad superior y distinguieron su estética del arte no occidental. La aceptación de este punto de vista se hizo más fácil por el hecho de que las esculturas egipcias antiguas se veían muy diferentes: tendían a retener el color brillante de la superficie, porque el clima seco y la arena en la que estaban enterradas no resultaron en el mismo tipo de erosión. Pero, como me lo dijo Østergaard, “nadie tiene problemas para considerar a Nefertiti como una obra de arte mundial espectacular, y nadie dice que es desafortunado que esté pintado”. Porque no es occidental, es perfectamente O.K. Para que sea policromado. Pero no lo tengamos en nuestra parte del mundo, porque somos diferentes, ¿verdad? ”

A partir del Renacimiento, los artistas hicieron esculturas y arquitecturas que se exaltaban sobre el color, en homenaje a lo que pensaban que era el arte griego y romano. En el siglo XVIII, Johann Winckelmann, el erudito alemán a menudo llamado el padre de la historia del arte, sostuvo que “cuanto más blanco es el cuerpo, más bello es” y que “el color contribuye a la belleza, pero no es la belleza”. . ”Cuando las antiguas ciudades romanas de Pompeya y Herculano se excavaron por primera vez, a mediados del siglo XVIII, Winckelmann vio algunos de sus artefactos en Nápoles y notó el color en ellos. Pero encontró una manera de evitar esa observación desconcertante, afirmando que una estatua de Artemisa con pelo rojo, sandalias rojas y una correa de aljaba roja no debe ser griega sino etrusca, el producto de una civilización anterior que se consideraba menos sofisticada. Más tarde concluyó, sin embargo, que la Artemisa probablemente era griega. (Ahora se piensa que es una copia romana de un original griego). Østergaard y Brinkmann creen que el pensamiento de Winckelmann estaba evolucionando, y que posiblemente habría abrazado la policromía, si no hubiera muerto en 1768, a la edad de cincuenta años, después de haber estado Apuñalado por un compañero de viaje en una posada en Trieste.

El culto a la escultura sin pintar continuó impregnando Europa, reforzando la ecuación de la blancura con la belleza. En Alemania, Goethe declaró que “las naciones salvajes, las personas sin educación y los niños tienen una gran predilección por los colores vívidos”. También señaló que “las personas refinadas evitan los colores vívidos en sus vestidos y en los objetos que los rodean”.

En el siglo XIX, una serie de excavaciones importantes debieron haber derrocado el mito monocromático. En Roma, el arquitecto Gottfried Semper usó los andamios para examinar la Columna de Trajano e informó que había encontrado miles de rastros de color. Las excavaciones victorianas de la Acrópolis mostraron algunos relieves pintados, esculturas y canales de mármol. El Augusto de Prima Porta y el sarcófago de Alejandro conservaron los tonos intensos cuando fueron descubiertos, como lo confirman las pinturas contemporáneas.

En un ensayo de catálogo para una exposición de 1892 en el Instituto de Arte de Chicago, el erudito clásico Alfred Emerson dijo de la policromía que “el testimonio literario y la evidencia de la arqueología son demasiado fuertes y uniformes para admitir una discusión o duda”. Sin embargo, Emerson continuó: “Tan fuerte era la deferencia por lo Antiguo, aprendido de los maestros italianos del Renacimiento, que la destrucción accidental de los antiguos colores” había sido “exaltada en un mérito especial, y ridículamente asociada con las cualidades ideales del arte más elevado” – de la “serenidad elevada” a la “pureza inmaculada”.

Este ardor por la blancura era tan intenso que la evidencia no tenía ninguna posibilidad. Los estudiosos que continuaron discutiendo policromía fueron despedidos a menudo. Se supone que Auguste Rodin golpeó su pecho y dijo: “Siento aquí que nunca fueron pintados de color”. La escultura y la pintura se convirtieron en disciplinas cada vez más independientes, y los artistas que intentaron fusionar los dos se encontraron con desprecio. En los años cincuenta, cuando el artista británico John Gibson, un defensor de la policromía, mostró su delicada “Venus Tintada”, el cuerpo de la diosa es mayormente blanco, pero tiene el cabello dorado y los ojos azul aciano. figura como “una mujer inglesa desnuda e imprudente”.

Como el artista y crítico David Batchelor escribe en su libro de 2000, “Chromophobia”, en cierto punto, la ignorancia se convierte en negación voluntaria, una especie de “alucinación negativa” en la que nos negamos a ver lo que tenemos ante nuestros ojos. Mark Abbe, que se ha convertido en el principal erudito estadounidense de la policromía griega y romana antigua, cree que, cuando persiste ese engaño, debe preguntarse: “¿Cui bono?” – “¿Quién se beneficia?”. Me dijo: “Si No nos beneficiamos, no estaríamos tan interesados en ello. Nos beneficiamos de una amplia gama de supuestos sobre la superioridad cultural, étnica y racial. Nos beneficiamos en términos de la identidad central de la civilización occidental, ese sentido de Occidente como más racional: el milagro griego y todo eso. Y no estoy diciendo que no haya ninguna verdad en la idea de que algo singular haya sucedido en Grecia y Roma, pero podemos hacerlo mejor y ver el pasado antiguo en un horizonte cultural más amplio “.

En el siglo XX, el aprecio por la policromía y la decoración antiguas se fue eclipsando, en gran medida por motivos estéticos en lugar de raciales. El modernismo alabó la abstracción de las formas blancas y ridiculizó la verosimilitud terrenal en la escultura. En un ensayo de 1920 titulado “Purismo”, el arquitecto Le Corbusier escribió: “Dejemos a los tintoreros el júbilo sensorial del tubo de pintura”. En Italia y Alemania, los artistas fascistas crearon estatuas de mármol blanco de cuerpos idealizados. Después de la Segunda Guerra Mundial, los arquitectos europeos buscaron un patrimonio común neutral mediante la promoción de las modestas virtudes de los espacios blancos de repuesto, como el edificio parlamentario en Bonn.

A lo largo de los siglos, muchos restauradores y comerciantes de arte se vieron obligados a limpiar vigorosamente los objetos griegos y romanos, para realzar su brillo marmóreo y su coleccionabilidad. Mark Bradley, un clásico de la Universidad de Nottingham, cree que en algunos casos los restauradores simplemente intentaban eliminar los residuos dejados por las lámparas de aceite que habían encendido las galerías antes de la llegada de la electricidad. Pero, señaló en un correo electrónico, muchos museos propagaron “una conspiración renacentista duradera” para “erradicar rastros de pintura”. En los años treinta, los restauradores del Museo Británico pulieron los mármoles de Elgin, las esculturas más preciadas de la Acrópolis. , hasta que quedaron tan blancas y brillantes como las perlas.

Un día de julio, Abbe estaba en Bloomington, Indiana, observando dos bustos romanos: uno del emperador militar Septimius Severus y uno de su erudita esposa, Julia Domna. Los bustos pertenecen al Museo Eskenazi de la Universidad de Indiana, que está cerrado por reformas, y Abbe los estaba examinando en una instalación de almacenamiento. Las esculturas, hechas de un mármol blanco cremoso, parecían tener manchas y manchas insignificantes. Pero Abbe lo sabía mejor. Examinó sus superficies con un microscopio potente y con luz infrarroja y UV, y descubrió ricos violetas, azules y rosas.

En 2007, Giovanni Verri, quien ahora enseña conservación en el Instituto Courtauld de Londres, descubrió cómo confirmar la presencia de un pigmento antiguo conocido como azul egipcio. Tiene una capacidad notable de luminiscencia con luz infrarroja, y Verri descubrió que en las fotografías digitales tomadas con tal luz brillaba como cristales de hielo. Abbe había visto estos destellos en los dos bustos romanos. Ahora planeaba tomar muestras de los pigmentos que había detectado, para que pudieran ser analizados químicamente.

Un científico de la conservación del Museo de Arte de Indianápolis, Gregory Dale Smith, realizaría la extracción de las muestras, la mayor de las cuales sería el tamaño del período al final de esta oración. Usaría una variedad de herramientas fantásticas, incluido el bisturí de un cirujano ocular, una aguja de tungsteno con una punta de seis micrones de ancho y un cepillo con una cerda única, hecha del cabello de un ciervo. Smith, quien llegó a las instalaciones de almacenamiento esa misma tarde, me dijo que se había salteado el café ese día, que necesitaba tener las manos más firmes.

Julie Van Voorhis, profesora de historia del arte en Indiana que está investigando los bustos, se había unido a Abbe y a mí, junto con Juliet Graver Istrabadi, la curadora de arte antiguo del Museo Eskenazi. Por un tiempo, los cuatro nos paramos en un semicírculo cortés y observamos las estatuas, como si fuéramos invitados a su fiesta y estuvieran a punto de dar un brindis.

Abbe me dijo: “Desde 1960 hasta el 2000, la gente solo dijo, ‘Sí, el color está ahí, pero no se puede hacer nada con eso, no hay suficiente, es demasiado fragmentario'”. Pero en los últimos años es Se vuelve más fácil detectar muchos colores, utilizando tecnologías no invasivas como el análisis de fluorescencia de rayos X (que puede identificar los elementos en los pigmentos). Los tintes orgánicos antiguos, como el púrpura tirio, hecho de las glándulas de los caracoles de mar, son más difíciles de identificar, pero los estudiosos han tenido cierto éxito al usar la espectroscopia Raman mejorada en la superficie, que mide las vibraciones moleculares. Armados con estas tecnologías, los curadores y conservadores están comenzando a “reexcavarse en nuestros propios museos”, como me lo dijo un académico: tomar objetos que se suponían incoloros y mirarlos de nuevo.

Abbe, que tiene cuarenta y cinco años, era alta y delgada, llevaba un traje oscuro y una corbata estrecha de flores. Tiene una energía elástica que me recordó a un actor interpretando a un joven inventor inteligente. Me dijo que, cuando examina por primera vez una escultura en busca de signos de policromía, la mira durante horas, con la ayuda de un dispositivo que involucra una lupa y un L.E.D. Luz colocada en una diadema. Me dio una para ponerme; parecía una versión estúpida de una lámpara de minero. “Intento convencer a todos de que deben comprarlos para cuando vayan a los museos”, dijo. (Él aconseja a las personas que realmente usan el dispositivo en las galerías que pongan sus manos detrás de sus espaldas mientras observan atentamente los objetos, para que los guardias no se asusten).

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Una estatua de terracota de Eros, del siglo III a. C. Rastros de pigmento azul y púrpura se pueden ver en las alas. Cortesía Metropolitan Museum of Art

Mientras caminaba alrededor de los bustos, me dijo: “Puedes acercarte mucho más. Una vez que tus ojos estén correctamente ajustados, puedes entrar y ver los detalles. Me incliné y miré la capa del emperador; Las diminutas formas de lágrima, en el azul purpúreo profundo de las manchas de tinta antiguas, aparecieron sobre una superficie blanca.

“Así que azul y blanco es la capa base”, dijo Abbe por encima de mi hombro. “Y la parte blanca parece estar pintada con plomo blanco, uno de los blancos más opacos. Y luego lo están lavando con un pigmento de pintura que parece tener una serie de elementos: parece tener azul egipcio, y parece tener un pigmento rojo rico en mercurio, probablemente cinabrio. Ese es un buen ejemplo de cómo están formando capas “.

Abbe y Van Voorhis están interesados en descubrir no solo los colores que preferían los antiguos, sino también las técnicas que usaron para aplicar la pintura: cómo los escultores pulían las superficies de piedra en preparación para el pigmento, cómo agregaban reflejos y sombras a las caras. Aprender más sobre estos métodos ayudará a los académicos a crear facsímiles más matizados, y también iluminará cómo la pintura y la escultura trabajaron en conjunto en el mundo antiguo. Los escépticos de la policromía cuestionan por qué los artistas griegos y romanos habrían esculpido con materiales tan hermosos (el mármol de Parián, que se usaba comúnmente tiene una translucidez preciada) y luego lo pintaron sobre la superficie, o lo deslumbraron con oro y joyas. Pero si los pintores y escultores trabajaron juntos como socios, al comprender cómo el color aplicado tácticamente podría mejorar la luminosidad de una obra, la policromía tiene más sentido estético.

Abbe dijo: “Tenemos esta maravillosa anécdota de Praxiteles, el escultor griego del siglo IV a. C. “Cuando le preguntaron cuál de sus esculturas le gustaba más, nombró a las que el primer pintor de la época, Nicias, ‘le aplicó la mano'”. Señaló que, en el antiguo Imperio Romano, las estatuas no se habrían secuestrado en las galerías de arte: habrían estado en las calles y en las casas de las personas. Las figuras que fueron pintadas hábilmente se habrían visto extrañamente realistas, particularmente en luz baja y parpadeante. “Hay una estética real, especialmente en el período romano, para el truco visual”, dijo. “Cuando entraste en un lugar, la división entre lo que era escultura y lo que era vida real era fluida y muy teatral. Vas a una cena en Pompeya, y hay estatuas de jóvenes desnudos homoeróticos, en la antigua y noble tradición griega. Y luego están los verdaderos esclavos que se parecen a esos bronces bien bronceados, y al principio están parados. Y luego se mueven, de la misma manera que las esculturas parecen moverse en los reflejos de piscinas y fuentes. Así que, ya sabes, has bebido un poco y estás negociando esto ”

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En agosto de 2014, dos mil años después de la muerte de Augustus, se proyectó el color en un conjunto de frisos en el museo Ara Pacis, en Roma. Fotografía de Alberto Pizzoli / AFP / Getty Images

Van Voorhis se unió al ensueño: “Estás llamando a tu esclavo, pero resulta que es una estatua. Y luego el niño esclavo viene del otro lado y vuelve a llenar tu taza “.

En un momento dado, Abbe dijo: “La galería de arte moderno, se podría decir, mata estas cosas, las transforma en algo que no son”.

Una de las ventajas de establecer métodos científicos para demostrar que los objetos clásicos eran policromos es que proporcionan a los arqueólogos un protocolo, una forma formal de buscar color antes de limpiar un artefacto. Se están haciendo importantes hallazgos griegos y romanos. Abbe observó que un conjunto de frisos históricos romanos encontrados recientemente en Nicomedia, Turquía, están “inundados de púrpura”.

Abbe y Van Voorhis lamentaron que, incluso ahora, estos objetos a veces se limpian sin piedad. “¿Recuerdas cómo regarían estatuas en el patio?” Van Voorhis le preguntó a Abbe, recordando una excavación en Turquía en la que ambos habían trabajado.

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Un busto de un joven africano, esculpido en el siglo I a. C. Las esculturas antiguas de los africanos a menudo estaban hechas de basalto y pintadas con capas de color marrón rojizo para crear un efecto real. La pintura de color caoba todavía es visible en la cara del niño. Museo de Cortesía für Kunst und Gewerbe Hamburg

“Como si estuvieras regando tu carretilla”, dijo Abbe. A veces, agregó, el impulso de limpiar tiene menos que ver con el disgusto del color y más con “la emoción del descubrimiento”: “Quieres ver lo que tienes”. La arqueología es un negocio lento. Entonces, imagina, es el último día, y finalmente encuentras algo. Lo primero que debe hacer es hacerlo legible “. Este impulso, dijo, debe verificarse:” Debe tratar un descubrimiento como una situación médica. Trátalo como un triage. Lo que quieres hacer es estabilizar al paciente. Menos es más. Tome la cosa, envuélvala con una gasa de algodón neutro y póngala en un estante en un lugar estable. Entonces, llámenos y vendremos y haremos la micro-excavación de la superficie “. Este proceso debe ocurrir con relativa rapidez, ya que, después de la extracción, el suelo se adhiere a un objeto y” las capas de pintura literalmente se delaminan con él, “Dejando un objeto desnudado y” un cuadro al revés “adheridos a escamas dispersas de suelo.

Mientras examinábamos el busto de Julia, Van Voorhis señaló un mechón de cabello que asomaba bajo su peluca. Esto dejó en claro que ella estaba usando la peluca de moda, no para cubrir la calvicie. Su rostro estaba tan cuidadosamente modelado que se podía ver dónde su mejilla estaba empezando a hundirse ligeramente. Tenía arrugas horizontales que rodeaban su cuello (los anillos de Venus, me enteré de que se llamaban) y un delicioso brote, ambos de los cuales connotaban la conveniencia. Todo este detalle humanizante había sido transmitido puramente a través de la forma. Me pregunté si Abbe alguna vez se arrepintió de haber visto tales esculturas, en el ojo de su mente, saturadas de los colores brillantes que muchas personas encuentran kitsch.

La primera vez que vi una estatua que había sido pintada para aproximarse a una antigua policromía, estaba en Nashville, de todos los lugares. En 1897, una réplica a gran escala del Partenón fue erigida en un parque de la ciudad allí, y en su interior hay una enorme estatua de Atenea. A mi modo de ver, la figura, que estaba pintada y dorada en los dos mil, se veía horrible: su túnica dorada tenía un brillo cegador, sus ojos eran de un azul de muñeca, y sus labios podrían haber llamado la atención de un anuncio de lápiz labial. Me recordó a una pieza de Jeff Koons que se deleita con su pegajosidad. Sin embargo, Abbe me aseguró que la Atenea coloreada era consistente con la estética del original perdido, desde el siglo V a.

Algunas de las réplicas pintadas que vi posteriormente parecían más sutiles y persuasivas. Sin embargo, por mucho que pensé que era importante reconocer la policromía, a veces prefería la elegancia fantasmal del mármol blanco.

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Una cabeza de mármol de una deidad que lleva un filete dionisíaco, desde el primer siglo A.D. Restos de pigmento rojo permanecen en los labios, los ojos y el filete. Marco Leona, quien dirige el departamento de investigación científica del Museo Metropolitano de Arte, dijo que el hecho de que las antiguas estatuas fueron pintadas es “como el secreto mejor guardado que ni siquiera es un secreto”. Cortesía del Museo Metropolitano de Arte

Cuando compartí este sentimiento con Abbe, él dijo: “Podemos tener nuestro pastel y comerlo, también. Todavía podemos mirar estas cosas y admirarlas como obras monocromáticas, neoclásicas. También podemos recuperar la estética antigua y corregir una mentira “. Prometió que ni siquiera el más ferviente campeón de la policromía iba a comenzar a pintar pintura contemporánea sobre objetos antiguos.

Entonces, ¿cómo debemos representar los colores del mundo clásico en los museos? La realidad de la televisión, el estilo de gran revelación de la exposición “Gods in Color” es ciertamente eficaz para cambiar nuestras ideas preconcebidas. Como dijo Østergaard, “Un objeto físico justo al lado de un original le da al público un verdadero momento de ‘¡Ajá!’ Es espectacularmente exitoso como medio de comunicación “.

Pero Abbe, al igual que muchos estudiosos con los que hablé, no estaba loco por las reconstrucciones en “Gods in Color”. Encontró los tonos demasiado planos y opacos, y observó que el yeso, del cual están hechas la mayoría de las réplicas, absorbe la pintura. Una forma en que el mármol no lo hace. También le molestó el hecho de que las estatuas “todas parecen fundamentalmente iguales, mientras que los estilos habrían diferido enormemente”.

Los Brinkmanns han hecho varias réplicas en mármol sintético y real, una empresa costosa, y estas reflejan la luz algo mejor que los modelos de yeso. Cecilie Brøns, quien actualmente dirige un proyecto en Glyptotek llamado Tracking Color, que investiga todas las piezas antiguas del museo en busca de trazas de color, admira las reconstrucciones de los Brinkmanns, pero dice que le preocupa que los visitantes del museo las acepten también de manera literal. Las réplicas se apreciaban mejor como interpretaciones, dijo, y agregó que “las reconstrucciones pueden ser difíciles de explicar al público, que no son copias exactas, que nunca podemos saber exactamente cómo se veían”.

Giovanni Verri, del Instituto Courtauld, me dijo: “Conocer los pigmentos particulares y los materiales de pintura es útil, pero no es la suma de la pintura. Está el componente de la técnica: el estilo, la sensibilidad ”. Pintar exactamente como lo hizo un pintor antiguo requeriría una forma psíquica de viajar en el tiempo. “Tenemos tanto conocimiento que esos pintores no habrían tenido”, dijo. “Hemos experimentado dos mil años de historia, y de historia del arte, que sería extremadamente difícil de olvidar.

Verri, como Abbe y otros en el campo, cree que las reproducciones digitales (animaciones por computadora y similares) pueden ofrecer ventajas que las físicas no ofrecen. Pueden revisarse a medida que se disponga de nueva información, y también pueden mostrar múltiples posibilidades de cómo podría haberse visto un objeto. Verri creó una reproducción digital de este tipo hace unos años, después de haber pasado un tiempo investigando las huellas de la policromía en la cabeza de Treu, una figura femenina idealizada, esculpida en el siglo II a. C., que se encuentra en la colección del Museo Británico. Verri realizó lo que llamó “un trasplante de cara digital”. Identificó los pigmentos que originalmente cubrían la escultura: el azul egipcio se mezclaba con los tonos de piel rosáceos y el blanco de los ojos; ocre amarillo y rojo en el cabello; Lago color rosa para los labios. También estudió e imitó las sofisticadas técnicas de pintura utilizadas en los retratos de Fayum. El resultado es refinado y naturalista.

Cuando el Museo Eskenazi vuelva a abrir, en un año o dos, albergará una exposición especial con los bustos de Severus y Julia. Para mostrar la policromía original, Abbe y Van Voorhis han considerado proyectar luces de colores en las estatuas durante parte del día. (Un conjunto de frisos en el museo Ara Pacis, en Roma, se han presentado de esta manera, con un efecto agradable). Otra idea es presentar una animación de video en la que el color aparece gradualmente en los dos bustos romanos, lo que sugiere cómo sucesivas capas de pintura podría haber sido aplicada

Abbe y Van Voorhis tendrán que involucrarse en algunas especulaciones, particularmente cuando se trata del color del cabello y el tono de la piel. No tienen ninguna razón para creer que no hubo pigmento en la piel o el cabello de los bustos, pero no han encontrado rastros de ella. “La ausencia de evidencia no es evidencia de ausencia”, me escribió Abbe en un correo electrónico. “Clásico neoclásico del supuesto!”

Más tarde, en otro correo electrónico, Abbe señaló que gran parte de la élite romana “provenía de un grupo diverso: bereber, árabe, transilvano, danubiano, español, etc.”. También señaló que las esculturas de los africanos del mundo antiguo a veces se tallaban en piedras negras, como el basalto, y luego se pintaban con pigmentos de color marrón rojizo para crear un efecto real. Un ejemplo de ello, en el Museum für Kunst und Gewerbe, en Hamburgo, es el jefe de un niño, desde el siglo I a. C.; Parches de pintura de color caoba todavía se pueden ver en la nariz y las mejillas.

Severus y Julia eran romanos, pero ninguno de ellos era de origen itálico. Severus era de origen bereber, de una familia de élite en Libia. Julia vino de una familia sacerdotal en Emesa, Siria. Una pintura de panel de la pareja, conocida como el Tondo de Berlín, ha sobrevivido: Severus tiene una tez marrón castaña y una barba gris canosa; Julia es más pálida, con cabello oscuro y ojos. El Tondo ayudará a guiar a Abbe y Van Voorhis en su trabajo en los bustos, al igual que los retratos de Fayum ayudaron a Verri.

La forma más fácil y económica de que los museos aborden el hecho de la policromía es decir más sobre esto en su etiquetado. Un día de julio, Gina Borromeo, curadora de arte antiguo en el museo de la India, me acompañó a través de las galerías griegas y romanas, y señaló una etiqueta que había escrito en 2009: “Las huellas de pigmento rojizo que aún sobreviven, aún visibles. en el cabello de esta figura, refleja el hecho de que la mayoría de las estatuas antiguas se pintaron de forma bastante vívida ”. Pero Borromeo cree que nada puede igualar el poder de exhibir una obra policromada que ha conservado sus tonos originales. En 2016, presionó con éxito para adquirir una urna etrusca que aún conserva gran parte de su color original.

Vinzenz Brinkmann, quien ahora dirige el departamento de antigüedades de la colección de esculturas Liebieghaus, en Fráncfort, me dijo que ver esculturas clásicas en color hace mucho más que ampliar su idea de cómo se veían originalmente tales objetos; le ayuda a comprender que “todo lo que parece estar establecido de manera tan clara y firme no siempre se establece de manera tan clara y firme”. En otras palabras, dijo, ver estos colores afecta la comprensión que las personas tienen de sí mismas. Con una pequeña risita, agregó: “Y, para nosotros, esto es hermoso”.

Articulo escrito  en octubre de 2018 por Margaret Talbot y Recuperado del The New Yorker 

Traducción YVR

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