Pensar en las revistas como objetos de arte

A Vogue cover by Salvador Dali

En promedio, probablemente encontremos revistas con más frecuencia que arte. Sin embargo, equipararlos no es una práctica común. ¿Es una caricatura de New Yorker solo una pequeña ilustración peculiar, o es un estilo que define tanto el humor como el dibujo que se ha convertido en un icono no solo del semanario, sino también de la historia de la caricatura? ¿Es la moda difundida en Harper’s Bazaar simplemente un atractivo atractivo para la vista que persuade a los consumidores a comprar ropa, o es el resultado de la colaboración de visionarios estéticos en los exigentes campos creativos de la fotografía, la dirección creativa y la moda? ¿Las revistas son publicaciones periódicas brillantes llenas de anuncios o son obras de arte con un potencial revolucionario?

Este es un tema que comencé a explorar en junio pasado y planeo continuar explorando en el futuro. Comencé con un ensayo que se publicó en la revista en línea Gaga Stigmata, un espacio donde los académicos teorizan sobre la estrella del pop Lady Gaga y su impacto en la cultura contemporánea. A riesgo de auto-plagio, a continuación se muestra una cita de mi artículo que presenta la relación entre la revista y el museo:

… [E] l es importante señalar que las revistas … a menudo son criticadas como armas del capitalismo de consumo que explotan y manipulan descaradamente al público sin ofrecer “sustento artístico”. Sin embargo, las revistas se concibieron así originalmente, y en la mayoría de los casos continúan funcionando como, depósitos de arte y cultura. En el idioma inglés, la palabra “Magazine” proviene del árabe مخزن (makhazin), traducido como “almacén”, de muchas maneras trazando correlaciones con el museo, otro tipo de almacén cultural. De hecho, era una práctica común que los primeros títulos de las revistas incluyeran la palabra “museo”, como la publicación Merry’s Museum de Louisa May Alcott de finales del siglo XIX … La comparación de la revista con el museo le otorga más legitimidad de la que normalmente se le otorga. . A pesar de toda la negatividad, las revistas son criticadas (y generalmente culpables de): promover problemas corporales negativos, modelos frankensteinianos increíblemente retocados con Photoshop, anuncios brillantes que nos hacen gastar dinero que no tenemos, todavía existen como un receptáculo para ideas, opiniones e imágenes culturales. que luego sirven como registro histórico de la época en que vivimos.

Al considerar un número de una revista en particular como un depósito de la cultura de una sociedad, grupo o movimiento en particular, entonces, a su vez, sería una conclusión viable que lo que está contenido en sus páginas puede potencialmente tratarse de la misma manera que el contenido de galería o museo.

Tomemos, por ejemplo, la portada reciente de Newsweek con la nueva duquesa de Cambridge Kate Middleton y su suegra fallecida, la princesa Diana de Gales. Aunque de naturaleza sensacionalista, la portada explora una variedad de ideas que van desde la autenticidad de las imágenes hasta la muerte de un ícono cultural. No me sorprendería, si Tina Brown no se les hubiera adelantado, encontrar una imagen similar con Photoshop colgada en una galería en el velorio de la boda real más reciente. Es una pregunta completamente válida considerar cómo sería Diana hoy y cómo sería su relación con su nueva nuera. Es una portada que suscita debate, suscita intrigas y levanta una ceja con el mismo éxito que cualquier obra de arte. Dentro de este contexto, sin embargo, marca una de las principales diferencias entre el arte de una galería y el arte de una revista: mientras que el papel de las bellas artes en la sociedad es a veces dudoso, las revistas trabajan activamente en la construcción del conocimiento y el establecimiento de la realidad de Nuestra cultura.

Newsweek, July 4 & 11 (2011)

Piense en otra portada reciente de Newsweek de Michele Bachmann con una mirada enloquecida en sus ojos con el apodo de “La reina de la rabia”. Visual y textualmente, la portada crea inmediatamente una imagen y un juicio de la candidata presidencial, pintando nuestras reacciones y opiniones sobre ella en una sola mirada. El arte es extremadamente poderoso, pero creo que sería difícil encontrar una obra de arte que sea tan inmediata y engañosamente poderosa como esta portada. Este número de Newsweek no requiere más de uno o dos segundos de estudio para comprender el mensaje que transmite, y para muchos probablemente pintó la única imagen que necesitaban para saber dónde se encuentra Bachmann en nuestra conciencia colectiva.

Estas imágenes, aunque originalmente se propagaron como impresas, han sido envueltas en medios digitales (solo mire dónde está leyendo esto). Muchas imágenes, artículos y portadas de revistas son visibles para las masas solo en el ámbito digital, un entorno que las despoja de su contexto original, lo que potencialmente diluye su poder. La materialidad de la revista conserva el carácter, el estado de ánimo y la época en que fueron creadas; cada página y dónde se sitúa en relación con la suma impacta en la lectura. Puede parecer trillado llamarlas cápsulas del tiempo, pero las revistas encapsulan períodos muy específicos en tiempos para subculturas muy específicas, sobreviviendo como artefactos estéticos que representan la cultura. Una lectura marxista de una pintura, un dibujo o una escultura sugiere que nunca se puede quitar de las circunstancias en las que se crea, sin importar si se pretendía trascenderlas; las revistas, en cambio, reflejan deliberadamente su entorno y se deleitan en la difusión y posterior preservación de las noticias. Aunque el objetivo de una revista no es trascender, mantienen un aura basada en sus funciones estéticas y epistemológicas individuales.

Newsweek, August 15 (2011)

Una de las limitaciones más destacadas que nos impiden ver las revistas como obras de arte es la cuestión del “aura” que normalmente se asigna a las obras de arte singulares. Esta pregunta, naturalmente, se origina en el debate Theodor Adorno / Walter Benjamin, dos teóricos culturales de la Escuela de Frankfurt, y sus subsiguientes encarnaciones en la narrativa histórica del arte occidental.

La invocación de la estética materialista de Benjamín, la proposición de que existe un potencial revolucionario en las prácticas de reproducción modernas, sirve para sugerir que la selección de temas y métodos de producción de la revista crea obras de arte que impactan las delicadas infraestructuras de la sociedad. Si bien Adorno pretendía que el arte debe permanecer separado de la realidad y, de hecho, negar la realidad para mantener su santidad y evitar la degradación, Benjamín vio potencial en nuevos modos de producción y reproducción que potencialmente podrían desempeñar un papel en la alteración de la sociedad.

Las revistas, en general, nunca hablan de ningún tipo particular de autonomía; Con un equipo editorial y de producción central, colaboradores habituales, fotógrafos, anunciantes y muchos otros productores, ningún número de una publicación refleja el trabajo de una sola persona. Incluso Anna Wintour, por más visible que sea una editora, no puede apropiarse por completo de ningún número de Vogue. Y el hecho de que las revistas se difundan ampliamente entre las masas contribuye a la distribución equitativa del conocimiento que potencialmente puede hacer que la sociedad cambie. En la mayoría de los casos, las revistas parecen cumplir con una estética materialista benjaminiana en su trabajo. Los defensores de Adorno y los que se oponen a considerar las revistas como arte, pueden usar esta observación para negar cualquier poder artístico que las publicaciones puedan ejercer. Sin embargo, acercándonos a esto desde el lado alternativo, algo parecido al “aura” todavía está intacto con las revistas; todas las publicaciones tienen su propio estilo, su propio contenido, sus propios cultos individuales que conservan su originalidad. Incluso como resultado de una miríada de fuerzas creativas, una revista conserva su sensación individual después de décadas de uso.

A billboard for Dos Equis featured in Ms. Magazine’s “No Comment” section (Summer 2011) (photo via msmagazine.com)

De hecho, propongo que la intención del autor debe ser eliminada de esta ecuación. Desde que el teórico literario francés Roland Barthes declaró la muerte del autor, muchos críticos comenzaron a ver las obras de arte fuera del contexto normativo de analizar lo que precisamente un artista pretendía transmitir con su obra, pero el deseo aún persiste. Cualquier reseña de cualquier exposición contemporánea contendrá al menos una cita del artista, y su nombre estará eternamente ligado a lo que se exhibe. Las revistas son diferentes. Naturalmente, la cabecera y las firmas agregan propiedad, pero como un todo conglomerado, el acto de análisis descansa mucho más dentro del contexto de los medios y la sociedad en general que un solo autor.

Salvador Dali’s cover for Vogue (April 1944)

Creo que un buen ejemplo de esto es la última página de Ms. Magazine. Al final de cada número en una sección titulada “Sin comentarios”, los editores seleccionan una serie de anuncios que explotan a las mujeres o perpetúan los estereotipos de género. Los creadores de dichos anuncios (directores creativos, diseñadores gráficos, investigadores de mercado, etc.) probablemente tenían toda la intención de presionar los botones de los consumidores, pero después de pasar por tantas manos es posible que el significado se perdiera para sus creadores y, por lo tanto, un nuevo significado. debe ser encontrado por los espectadores. Creo que lo mismo es esencialmente cierto para leer todas las revistas. Se crean para representar las actitudes generales de nuestra cultura y subculturas, pero depende de nosotros como lectores decodificar e interpretar en última instancia el significado detrás de cada parte de una revista. Esto no solo significa tratar activamente de comprender un artículo de opinión en The Nation, sino también tratar de comprender una imagen de los nuevos productos para el cuidado de la piel y lo que realmente significa para nuestra sociedad.

Dada Magazine (1919)

Y, por supuesto, ninguna exploración de las revistas como objetos de arte estaría completa sin dirigir nuestra atención a la relación que los artistas han tenido con la industria. Salvador Dali ilustró las portadas de Vogue, los dadaístas produjeron publicaciones para complementar su movimiento e incluso más recientemente los artistas han prestado sus visiones creativas a las revistas. En particular, Barbara Kruger diseñó la portada del “Art Issue” de W de noviembre de 2010. Llevando a una Kim Kardashian desnuda con su cuerpo censurado por tres de los icónicos textos de Kruger que dicen: “Se trata de mí. Me refiero a ti. Me refiero a mi.” ¿Es una parodia? Seguro. Pero el pensamiento y el oficio que se le ponen son tan serios como cualquiera de sus otras obras. “Pensé que era un comentario divertido sobre la necesidad de mostrar y contar constantemente”, dice Kruger sobre su artículo en el número. “Los diarios solían tener candados. Eso se terminó.”

Barbara Kruger’s cover for W magazine (November 2010)

Y, por supuesto, ninguna exploración de las revistas como objetos de arte estaría completa sin dirigir nuestra atención a la relación que los artistas han tenido con la industria. Salvador Dalí ilustró las portadas de Vogue, los dadaístas produjeron publicaciones para complementar su movimiento e incluso más recientemente los artistas han prestado sus visiones creativas a las revistas. En particular, Barbara Kruger diseñó la portada del “Art Issue” de W de noviembre de 2010. Llevando a una Kim Kardashian desnuda con su cuerpo censurado por tres de los icónicos textos de Kruger que dicen: “Se trata de mí. Me refiero a ti. Me refiero a mi.” ¿Es una parodia? Seguro. Pero el pensamiento y el oficio que se le ponen son tan serios como cualquiera de sus otras obras. “Pensé que era un comentario divertido sobre la necesidad de mostrar y contar constantemente”, dice Kruger sobre su artículo en el número. “Los diarios solían tener candados. Eso se terminó.”

El pináculo de la intersección de los medios y el arte es, naturalmente, la revista Interview, iniciada por el propio Papa del Pop: Andy Warhol. Para mí, el arte de Andy Warhol nunca fue simplemente sus serigrafías de latas de sopa Campbell o sus esculturas de cajas Brillo. Fue toda su actuación de la fama y el artista: parado afuera del apartamento de Truman Capote esperando conocerlo, pasando el rato en Studio 54, protagonista invitado en la serie de televisión de comedia romántica The Love Boat. Todas las acciones performativas que Warhol incorporó a su vida se erigen como una obra de arte ampliada. Por lo tanto, no debería haber ninguna diferencia en considerar a Interview por encima de todas las demás publicaciones dignas de ser llamadas un objeto de arte.

Originalmente comenzó como un papel plegado en un cuarto que contenía imágenes fijas de películas cinematográficas, lo que abre una plétora de lecturas e interpretaciones en sí mismo, que van desde la cultura del fanzine hasta las comparaciones con el trabajo de Cindy Sherman y todos los adornos críticos que lo acompañan. A medida que evolucionó hasta convertirse en una de las biblias de la cultura y la moda que es hoy, Warhol siguió siendo un participante activo en su publicación hasta su muerte en 1987. Siempre fue obra de varias personas, pero en este caso adjuntar la firma de Warhol en la revista. en muchos sentidos representa el catalizador de ver las revistas como obras de arte. Un anuncio de una marca de moda en una de sus páginas, aunque inicialmente opera en circunstancias diferentes, es fundamentalmente difícil de diferenciar del tema apropiado de sus pinturas. Del mismo modo, es difícil descartar su lugar en su obra, especialmente considerando su inclusión en varias de sus retrospectivas, entre ellas la más reciente Andy Warhol: The Last Decade del Museo de Brooklyn.

Interview (December 1972)

Ya sea dentro de una galería o una extensión en una revista, todos los esfuerzos creativos existen dentro de la superestructura de la industria cultural, donde todo puede eventualmente reducirse a la posición inalterable de una mercancía. Los debates seguirán siendo furor, pero en un mundo que lucha contra la posmodernidad, podría ser conveniente que veamos las revistas y todas las formas de comunicación visual con la misma reverencia e importancia que las bellas artes.

471 3 de mayo de 1992 Magazín El Espectador
Malpensante Vallenata – 205
James Jean Juxtapoz Magazine

Texto recuperado de hyperallergic.com escrito por Alexander Cavaluzzo – September 13, 2011 Traducción YVR

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