MURAKAMI EN CERÁMICA

Takashi Murakami escribe sobre su compromiso con el trabajo de los artistas cerámicos japoneses asociados con el movimiento seikatsu kōgei, o artesanía de estilo de vida.

Durante los últimos quince años, me he comprometido con varios artistas cerámicos japoneses contemporáneos que trabajan en la línea del seikatsu kōgei, o artesanías de estilo de vida, organizando sus exposiciones, apoyando financieramente su producción y coleccionando su trabajo. Alrededor de 2005, cuando comencé a interesarme por la cerámica y a adquirirla, el mundo de seikatsu kōgei estaba en su punto más emocionante, y los artistas y sus distribuidores parecían no tener restricciones y estar de buen humor. Seikatsu kōgei, en pocas palabras, es un movimiento que intenta reexaminar la belleza de los objetos de uso diario y reinterpretar esta belleza a través de la artesanía. Muchos de sus defensores también abogan por la sostenibilidad ambiental, con una sensibilidad hippie.

En el momento en que me interesé por este trabajo, estaba completamente atado al mercado del arte contemporáneo y, además, luchaba con preguntas teóricas sin respuesta, como cómo se pueden crear obras que exploren la relación entre el capitalismo y el arte como su objetivo. tema. Casi envidiaba el entusiasmo orgánico y local del movimiento.

La crisis financiera de 2008 devastó el mercado del arte en general, y el mundo de la artesanía japonesa no fue una excepción. Alrededor de ese tiempo, la filosofía seikatsu kōgei de seihin, pobreza honesta, comenzó a florecer. Muchos de los ceramistas del movimiento seikatsu kōgei viven en aldeas rurales con sus familias con unas ventas anuales de 1,5 millones de yenes (aproximadamente 14.000 dólares estadounidenses). Se trata de artistas que minimizan sus gastos de manutención, rechazan trabajos que no les gustan y se emocionan, sobre todo, al saber que las vasijas que fabrican se utilizan en algún hogar u otro.

Takashi Murakami with works from his ceramics collection, 2017. Photo: Mikiya Takimoto

El apoyo a las formas de expresión cultural que representan el Japón de la posguerra, incluido el manga, el anime, los juegos y el seikatsu kōgei, proviene de las masas japonesas. En Occidente, incluso hoy, existe la noción de que el arte es algo que es apoyado por los mecenas. Dichos mecenas tienen asesores que les explican amablemente y con cuidado el valor de una obra en términos de su contexto histórico del arte, su relación con situaciones sociales contemporáneas y las tendencias del mercado del arte. Si esta explicación es convincente, la obra se compra y se agrega a la colección del mecenas. En este caso, el arte puede ser tanto una herramienta para elevar la socialización como una inversión a largo plazo. Las posibilidades de que un trabajo en el que inviertas se convierta en algo valioso son escasas; una entre mil podrían ser las probabilidades. Pero incluso si solo uno sobrevive a la prueba del tiempo, es suficiente como inversión. Además, te ganas el respeto por cumplir con el deber de un mecenas del arte, y tu contribución aumenta el nivel cultural.

Installation view, Takashi Murakami’s Superflat Consideration on Contemporary Ceramics, Towada Art Center, Aomori, Japan, March 11–May 28, 2017. Photo: Kozo Takayama

La cultura apoyada por las masas, por otro lado, obviamente debe ser asequible. Incluso si desea revender obras que ha adquirido, no hay mercado para ellas a precios elevados. Tampoco existe ningún mérito social por adquirir tales obras. Pero teniendo en cuenta las sensaciones que uno tiene al comprarlos, o el hecho de que uno está pujando por las aspiraciones del artista al depositar el dinero, no hay duda de que sigue siendo una transacción de belleza.

Esta distribución popular de la belleza nació y se lleva a cabo de una manera milagrosamente atractiva, y brilló aún más después del colapso de la llamada economía burbuja de Japón. El estado de ánimo positivo en torno a la idea de la pobreza honesta debe haber atraído a los artistas, y los clientes también gravitaron hacia ella.

Installation view, Bubblewrap, an exhibition of ceramics from Takashi Murakami’s collection, Contemporary Art Museum, Kumamoto, Japan, December 15, 2018–March 3, 2019. Photo: Ikki Ogata

La industria de la cerámica japonesa, durante los últimos cien años, ha sido muy activa a nivel popular, y hay muchas obras maravillosas y asequibles. Sin embargo, al mismo tiempo, ha habido una tendencia en la industria a equiparar la asequibilidad con un buen trabajo y, lamentablemente, el entorno no está configurado para permitir que alguien con talento persiga y alcance la máxima expresión artística dentro de la industria.

Hablando por mí mismo, mi carrera no podría haber crecido hasta lo que es ahora si hubiera limitado mis actividades a Japón. Con Estados Unidos como base, mi trabajo se ha presentado a audiencias de todo el mundo, y gracias al esfuerzo de galerías como Gagosian, he podido encontrarme con clientes de todo el mundo. Como resultado, prosperando económicamente, he podido producir una serie de trabajos experimentales, al mismo tiempo que he ganado el coraje para seguir haciéndolo.

SEIKATSU KOGEI, EN POCAS PALABRAS, ES UN MOVIMIENTO QUE INTENTA REEXAMINAR LA BELLEZA DE LOS OBJETOS DE USO DIARIO Y REINTERPRETAR ESTA BELLEZA A TRAVÉS DE LA ARTESANÍA.

Con la esperanza, quizás presuntuosamente, de poder replicar un efecto similar en la industria de la cerámica, aunque a menor escala, he estado encargando a los artistas cerámicos a los que apoyo obras en enormes escalas y cantidades que nunca antes habían abordado. En respuesta, cada uno de ellos ha realizado trabajos sumamente desafiantes, superando su capacidad anterior. Desde que encargué estas obras a gran escala sabiendo que no encontrarían compradores en Japón, las he adquirido todas para mi colección.

A continuación, explicaré con más detalle el movimiento seikatsu kōgei y presentaré a algunos de los ceramistas a los que he estado apoyando a lo largo de los años: Shin Murata, Yuji Ueda, Otani Workshop, Aso Kojima, Teppei Ono, Atsushi Ogata y Ryutaro Yamada. Son los artistas que han realizado importantes exposiciones individuales en Kaikai Kiki Gallery, la galería principal entre varias que opero.

Espero que los lectores tengan la oportunidad de experimentar por sí mismos el paisaje del mundo actual de la cerámica japonesa. Y una vez que termine la pandemia, espero que algunos de ustedes viajen a Japón, para visitar los pueblos donde estos artistas viven y trabajan, y para encontrarse con el entorno que dio a luz a estos creadores. Allí, al disfrutar de una deliciosa comida junto a los recipientes que fabrican, puede experimentar la esencia misma de la cultura y el arte japoneses.

SHIN MURATA

De los artistas seleccionados aquí, Shin Murata es el ceramista con el que estoy más comprometido, tanto que hemos abierto una tienda en Kioto juntos; básicamente estamos unidos por la cadera. El nombre de nuestra tienda incluye su apellido: Tonari no Murata.

La razón por la que apoyo tanto a Murata es que ha estado muy motivado para producir vasijas para la cocina kaiseki de lujo, lo cual es inusual para un artista seikatsu kōgei. La idea de seikatsu kōgei es la de la economía posterior a la burbuja. Su filosofía es que los recipientes como platos y cuencos deben adherirse estrechamente a la vida cotidiana y, por lo tanto, son para la gente común; tiende a ser resistente a la alta cultura. Pero es un hecho que en Japón existe este espacio y ocasión de alta gama en el que se sirve cocina kaiseki, y he pensado que la filosofía del seikatsu kōgei podría contribuir a ese espacio. Pude sentir la misma idea del trabajo de Murata, y cuando comenzamos a hablar, inmediatamente nos llevamos bien.

El gigante de los productos kaiseki era Rosanjin Kitaōji, por lo que abrimos la tienda en Kioto con el propósito de perseguir juntos el mundo de Rosanjin. Habíamos planeado abrir una tienda física a principios de este año, en abril, pero debido a la pandemia tuvimos que posponerla y hasta ahora hemos estado activos principalmente en Instagram. Una vez que abramos finalmente y correctamente nuestras puertas, mi esperanza es producir recipientes que se relacionen estrechamente con la cultura alimentaria y los distribuyan en todo el mundo.

OTANI WORKSHOP

Fui a ver una exposición de Otani Workshop por primera vez después de escuchar acerca de un artista que estaba ayudando a Yoshitomo Nara con sus trabajos de cerámica. Como se rumoreaba, las obras de cerámica con forma de escultura de este artista eran de un estilo similar al de Nara y tenían una sensación cálida y difusa. También hizo platos y cuencos, pero sus obras más fuertes eran de naturaleza escultórica. Cuando le pregunté al artista por qué, me dijo que había asistido a una universidad de arte en Okinawa, inspirado por Alberto Giacometti, pero allí le dijeron que un escultor no podría ganarse la vida y por eso decidió mudarse al mundo de la cerámica, creando objetos artísticos y al mismo tiempo haciendo platos y cuencos. Ya había establecido una posición peculiar como artista, produciendo y vendiendo vajillas pero también creando y exhibiendo esculturas que amaba y, cuando tenía suerte, vendiendo.

Desde entonces, Otani pasó a ser representado por Kaikai Kiki. Mientras él y yo continuamos nuestro diálogo, hablamos sobre él revisando y explorando su admiración por Giacometti. Ahora produce obras de cerámica, pinturas y esculturas de bronce, y se está convirtiendo en un artista muy popular.

YUJI UEDA

Conocí a Yuji Ueda porque Otani Workshop ansiosamente quería presentármelo. Las primeras obras de Ueda consistían en objetos agrietados que parecían estar a punto de desmoronarse. Las antigüedades traídas de fuera de Japón son uno de los motivos importantes del seikatsu kōgei. Esto incluye muebles europeos, así como cerámica Delf holandesa, artesanías africanas y antigüedades coreanas, todos los cuales se importaron activamente a Japón para su venta y, a veces, se interrumpían en el proceso. Los objetos de Ueda deforman y reinterpretan dichos elementos, incluidos tazones rotos y muebles que se deshacen. Al principio, hizo estos objetos no funcionales a pequeña escala del tamaño de la palma de la mano en grandes cantidades, vendiéndolos en tiendas especializadas en cerámica. Como mi interés en el seikatsu kōgei en ese momento era por embarcaciones prácticas, inicialmente no me importaba particularmente el trabajo de Ueda. Pero como Otani Workshop lo recomendaba insistentemente, concedí y realicé una muestra de su trabajo en la pequeña galería especializada en cerámica que solía operar, OZ Zingaro, hace unos diez años. El día de la inauguración fui a la galería y Ueda me saludó con una actitud relajada, diciendo: “Oh, hola. Gracias por hacer el espectáculo “. Mi primera impresión de él fue bastante mala. No me gustaban sus modales y su aire de un joven típico y despreocupado. Luego me sirvió un poco de té, que bebí de mala gana, con un sentimiento negativo, y. . .

“¿Qué? ¿Qué pasa con este té? Estaba tan delicioso que casi salté.

Resulta que Ueda había hecho la tetera y la taza de té en las que sirvió el té, y su padre era dueño de una granja de té.

“Mi padre cultiva té en Asamiya, un poco al norte de Kioto”, me dijo. “Hemos cultivado té durante generaciones y también hemos recibido premios”.

Tomé otro sorbo para confirmar que el té estaba increíblemente sabroso. Y cuando miré las obras de Ueda nuevamente después de experimentar el delicioso té, me dieron una impresión completamente diferente. Fue como si el contexto comenzara a encajar en mi mente: la granja de té multigeneracional → antigüedades → objetos → artículos de té → artículos de objetos. . . Sentí como si entendiera la razón por la que había estado produciendo objetos abstractos.

Así fue como empezamos. Luego, hace dos años, completamente por coincidencia, Kanye West estaba visitando Japón cuando tuvimos la exposición individual de Ueda en mi galería, y pasó por allí. Era el día de la inauguración y ya se habían vendido algunas obras, pero Kanye compró todo lo que quedaba. Presentó estas obras, que se muestran en su casa, en el programa de Netflix de David Letterman, My Next Guest Needs No Introduction, por lo que es posible que algunas personas las hayan visto en pantalla.

Todo esto es para decir, cuando ves el trabajo de Ueda en persona, no necesitas más explicaciones: simplemente sientes el poder de su trabajo.

ASO KOJIMA

Aso Kojima es un artista bastante peculiar. No se llama a sí mismo ceramista, sino que se refiere a sí mismo como hyakushō. En términos generales, hyakushō significa “granjero” o “campesino”, aunque los caracteres chinos indican a alguien que cultiva pero que también es capaz de realizar cien tareas. La denominación lamenta el trágico estado de un agricultor que no sobreviviría a menos que fuera capaz de hacer todo y se jacta con orgullo de que el agricultor puede hacer cualquier cosa. Y entonces Kojima se llama a sí mismo agricultor y cultiva sus campos para ser autosuficiente, mientras construye una casa y produce cerámica. También construyó rápidamente su propio horno. Es verdaderamente diestro.

Desde que era pequeño, Kojima se había mostrado escéptico sobre la sociedad contemporánea; su espíritu de rebelión contra el sistema era tan fuerte que casi abandona la escuela secundaria. Una vez que se graduó, viajó por Japón y Asia. Trabajó para estudios de cerámica para ganar algo de dinero, y así fue como terminó convirtiéndose en ceramista.

Conocí a Kojima en una exposición individual de sus cerámicas, y después de eso me dijo que ya no quería vender su obra a través de una galería, que quería construir un paraíso. Dijo que necesitaba algo de dinero para eso y me pidió apoyo financiero. Le dije que no, que no podía invertir en algo que no me beneficiaría en absoluto, y le pregunté por qué demonios pensaba que le daría dinero. Dijo con indiferencia: “Pensé que estarías a bordo porque mi sueño es increíble”.

Entonces le propuse que produjera suficiente trabajo para que yo lo comprara hasta que alcanzáramos la cantidad que deseaba, y durante los dos años siguientes siguió enviándome obras. Con el dinero que ganó con estas ventas, actualmente está construyendo su paraíso. Para él, el paraíso es adquirir un terreno en una zona completamente deshabitada de Japón y vivir sin interacción alguna con otras personas.

A día de hoy, año y medio después de que terminé de pagar la cantidad inicial que necesitaba, Kojima todavía me contacta dos o tres veces al año, pidiéndome que compre algunas obras cuando necesite dinero, y cada vez compro más obras. Ha roto por completo los lazos con galerías y clientes y mantiene su relación conmigo únicamente por los ingresos necesarios. Incluso en mi galería, realizamos una muestra de su trabajo, pero eso fue todo. Su extraña mentalidad se interpone en el camino de hacer una exposición en Japón, así que espero poder presentar una exposición de su trabajo en algún lugar fuera de Japón. Realmente creo que sus obras son las de un genio.

TEPPEI ONO

Teppei Ono ha estado activo desde el comienzo del movimiento seikatsu kōgei. Amablemente me guió cuando comencé a manipular cerámica en mi galería y no distinguía mi derecha de mi izquierda. Fue Ichiro Hirose, el cognoscente de la industria y propietario de una tienda de cerámica seikatsu kōgei, Toukyo, quien me lo presentó.

Al comienzo de su carrera, Ono produjo su trabajo en Tokoname, un área conocida por su producción de cerámica, pero finalmente escapó de las limitaciones de esta localidad y se mudó a una aldea marginal en la prefectura de Kochi. No tiene una comunidad de ceramistas a su alrededor, y vive y trabaja en un entorno donde sus únicas interacciones diarias son con los agricultores locales. Su esposa también es creadora, confecciona textiles artesanales, y trabajan como una unidad. Su estilo de carrera ha cultivado muchos seguidores, y hoy quizás más de un centenar de parejas casadas trabajan y viven en este estilo. Pero los Onos son los progenitores.

Muchos de los fans de Ono son cantantes de rock. Sus obras tienen un estilo voluminoso y duro. El arroz blanco servido en uno de los tazones de arroz de Ono es realmente excepcional.

ATSUSHI OGATA

Hasta los treinta y cinco años, Atsushi Ogata trabajó como editor en jefe de una revista que capturó la vida metropolitana japonesa de los años ochenta y noventa. Después de quemarse, dejó su trabajo y se convirtió en ceramista. De repente se mudó al campo y se sumergió en el mundo de la cerámica en lo profundo de las montañas de Nara.

Una de las cosas que me ha dejado una profunda impresión a través de mis interacciones con Ogata es que me ha dicho repetidamente que sus manos son pequeñas. “Las manos de quienes lanzan cacharros desde la adolescencia, siempre con el objetivo de convertirse en ceramistas, se ensanchan como guantes de béisbol. Mis manos, por otro lado, son tan normales. Me da vergüenza.” Ogata realiza obras grandes y toscas que parecen intentar aplastar esta vergüenza y su resentimiento hacia la industria cerámica.

Ogata ha creado siete u ocho vasijas enormes para mí, y en el proceso de hacerlo ha desarrollado varias técnicas nuevas. Desde entonces, sus principales inventos se han convertido en un formato estándar seguido por los ceramistas que trabajan en el campo del

Una de las cosas que me ha dejado una profunda impresión a través de mis interacciones con Ogata es que me ha dicho repetidamente que sus manos son pequeñas. “Las manos de quienes lanzan cacharros desde la adolescencia, siempre con el objetivo de convertirse en ceramistas, se ensanchan como guantes de béisbol. Mis manos, por otro lado, son tan normales. Me da vergüenza.” Ogata realiza obras grandes y toscas que parecen intentar aplastar esta vergüenza y su resentimiento hacia la industria cerámica.

Ogata ha creado siete u ocho vasijas enormes para mí, y en el proceso de hacerlo ha desarrollado varias técnicas nuevas. Desde entonces, sus principales inventos se han convertido en un formato estándar seguido por los ceramistas que trabajan en el campo del seikatsu kōgei.

RYUTARO YAMADA

Ryutaro Yamada es el más joven de los ceramistas que he destacado aquí. Cuando estaba en su primer año de universidad, fue golpeado por una extraña y repentina enfermedad, y el complejo físico resultante, según tengo entendido, lo llevó a ahondar en la cerámica. Sin relación con esto, también es un artista que ha estado intentando perseguir la esencia real y dura del seikatsu kōgei. Digo esto porque hay una parte de él que claramente intenta revivir el formato adoptado por el fallecido ceramista Ryo Aoki, quien fue considerado el pilar espiritual del seikatsu kōgei por defensores de la primera generación como Teppei Ono. Aoki falleció hace unos quince años, pero Yamada produce su trabajo en el lote rural de Yamanashi que solía ser el estudio de Aoki.

Actualmente, Yamada está produciendo un nuevo trabajo tras otro utilizando tres hornos, uno construido por Aoki y dos nuevos que hizo él mismo. En sus comunicaciones conmigo, Yamada me ha dicho que no le importa mucho cuando la gente ve las sombras de Aoki en su trabajo. Sin embargo, creo que es el artista que ha asumido con mayor solidez el concepto de seikatsu kōgei en el presente. Sus habilidades están verdaderamente al nivel de un genio, sin embargo, no hay un escenario en Japón en el que elevar su talento. Por ejemplo, las obras a gran escala que ha realizado se realizaron solo porque yo las encargué; no se pueden vender en Japón. Están maravillosamente cocidos, y la exploración de las obras del significado de la cerámica es igualmente maravillosa, pero aquí solo se pueden vender pequeñas obras. No ha realizado grandes obras desde entonces. Incluso hoy, Yamada está haciendo platos y cuencos para exhibir mensualmente en todo Japón con el fin de ganarse la vida. Es realmente una lástima que se esté desperdiciando tal talento (aunque no creo que el propio artista esté de acuerdo conmigo en esto).

Yamada es otro de los ceramistas que sueño con exhibir algún día en una gran exposición individual fuera de Japón.

Takashi Murakami obtuvo un doctorado de la Escuela de Graduados de Bellas Artes de la Universidad de las Artes de Tokio. Comenzó a exponer cuando aún estaba en la universidad y en 1996 estableció el estudio Hiropon Factory (hoy Kaikai Kiki). Además de la producción y la comercialización del arte de Murakami y el trabajo relacionado, Kaikai Kiki funciona como un entorno de apoyo para la promoción de artistas emergentes. Con la curaduría de la exposición 2000 Superflat, Murakami avanzó la teoría Superflat del arte japonés. Ha expuesto ampliamente tanto en Japón como en el extranjero.

Texto recuperado de Gagosian.com publicado el 2 de diciembre de 2020

Comenta

Introduce tus datos o haz clic en un icono para iniciar sesión:

Logo de WordPress.com

Estás comentando usando tu cuenta de WordPress.com. Salir /  Cambiar )

Google photo

Estás comentando usando tu cuenta de Google. Salir /  Cambiar )

Imagen de Twitter

Estás comentando usando tu cuenta de Twitter. Salir /  Cambiar )

Foto de Facebook

Estás comentando usando tu cuenta de Facebook. Salir /  Cambiar )

Conectando a %s