Ascenso de cosmonauta: una entrevista con Jeremy Geddes

No es la precisión de la obra de arte del pintor australiano Jeremy Geddes lo que te deja sin aliento. Tampoco, paradójicamente, es la suspensión de la realidad que se da con elementos clave en cada una de sus piezas; el astronauta suspendido contra el telón de fondo de un centro desierto o agachado, de gran tamaño, dentro de un callejón arenoso; edificios que se desintegran bajo algún capricho de la física hasta ahora desconocido; cuerpos flotantes, segmentados o fusionados en miembros masivos.

Lo que realmente asombra es que, al ver el arte de Jeremy Geddes, estas cosas no te sorprenden. Sin fallas en la ejecución, nada que diga al ojo que lo que estás viendo no es lo que realmente es, entonces nos quedamos luchando con lo irreal convirtiéndose en real, y eso te deja sin aliento.

Entrevista con Jeremy Geddes realizada junto con su editorial en el número 14 de la revista Beautiful Bizarre.

Australia parece haber producido una increíble variedad de artistas hiperrealistas a lo largo de los años, pintores y escultores, cada uno con su propia visión única del género: Ron Mueck, Sam Jinks y Patricia Piccinini, por nombrar algunos de los escultores, y usted mismo. Robin Eley, Joel Rea y muchos, muchos otros pintores. ¿Es algo en el agua? ¿Coincidencia? ¿Un homenaje nacional a Jeffrey Smart? ¿Qué piensas?

Crecí mirando a Jeffrey Smart, así como a algunos otros pintores australianos como Rick Amor y James Gleeson. El arte australiano ha estado en una posición interesante durante los últimos cien años, proviene en gran medida de una tradición artística europea y ha buscado inspiración en Europa y América, pero al mismo tiempo ha estado muy aislado. Creo que esto ha producido algunos rasgos distintivamente australianos en la creación de arte, algunos para bien y otros para mal.

Ha habido una cierta desolación en gran parte del arte australiano, se puede ver en la música, el cine y las artes visuales, y a menudo es muy distintiva. Es difícil precisar exactamente de dónde surge; sin duda, el paisaje implacable de Australia es un factor. Pero también ha habido una escasez de competencia técnica. Gran parte de las técnicas desarrolladas en la pintura durante los siglos XVIII y XIX se perdieron en el impulso modernista de principios del siglo XX, y aunque los focos de comunidades artísticas continuaron estas tradiciones en todo el mundo, la población australiana era lo suficientemente pequeña como para que esencialmente se perdieran generaciones de pintores que crecieron entre mediados y finales del siglo XX. Como resultado, muchos pintores en Australia reinventaron la rueda con técnica, incluido yo mismo. Una vez más, esto es sin duda positivo y negativo, con estilos que eran distintivos, pero también posiblemente no tan competentes.

Internet ha puesto fin al aislamiento cultural de Australia ahora; ahora estamos bombardeados con una marea de influencias extranjeras. Se ha vuelto increíblemente fácil encontrar demostraciones de técnicas de pintura clásicas en línea, algo que no estaba disponible para mí mientras crecía. Ojalá podamos utilizar esta nueva tecnología para enriquecernos donde sea apropiado, sin dejar de mantener nuestra voz distintiva y única.

Su representación del astronauta en paisajes urbanos plantea la pregunta: ¿son los paisajes extraterrestres o el astronauta? La disparidad de escala en algunas de las obras también invoca la liliputienses de Swift, la soledad del aislamiento, entre otras. ¿A quién representa el astronauta para ti?

Me encanta la comparación con Swift y me encantan las disparidades de escala, pero estas son preguntas que no puedo responder. Me interesa crear pinturas que carezcan de marcos conceptuales que ayuden a explicar o contextualizar la imagen. Todo lo que tengo que decir sobre mis pinturas lo intento decir dentro de la propia pintura. No creo mi trabajo con un lenguaje alegórico o simbólico, solo trato de trabajar de manera instintiva e intuitiva.

El significado de los paisajes y las figuras está limitado exactamente por lo que he pintado, nada más. Cuando estoy trabajando en ellos, puedo ver varias interpretaciones que encuentro atractivas o convincentes, pero estas son mis propias historias, ni más ni menos válidas que otras, por lo que no tengo ningún deseo de compartirlas y posiblemente influir en la percepción de otras personas.

Volviendo a lo básico, ¿qué te inspira a crear ~ y qué te motiva a seguir creando? ¿Tuviste influencias artísticas en tu juventud, o estás impulsado por otras inspiraciones? música, literatura, televisión diurna…?

Pintar es lo que hago, realmente no veo que necesite inspiración externa. Sin embargo, mientras estoy desarrollando un trabajo, a menudo utilizo ciertas piezas musicales como una especie de línea emocional, puede ayudarme a ver más claro qué elementos incorporar o dejar de lado. Los podcasts y los audiolibros también han sido una bendición, solo para ayudarme a superar algunas de las partes más mundanas y difíciles del proceso de pintura.

Tenemos muchos creativos en nuestra audiencia y les encantan los detalles sangrientos de la técnica. ¿Puede compartir su proceso con nosotros, cómo decide sus medios (principalmente óleo sobre lino, no?) Y cómo ha evolucionado a lo largo de su carrera.

Básicamente, todo es petróleo a bordo en estos días. He estado usando pinturas al óleo desde que era joven, y es el medio que entiendo intuitivamente ahora, así que no estoy seguro de si alguna vez lo adopté conscientemente. Al contrario, caí en él y seguí corriendo con él. Tiene la mayor versatilidad de cualquier medio de pintura, por lo que realmente no pude pensar en ninguna razón por la que lo abandonaría ahora.

En términos de técnica, empiezo con un dibujo inicial en tinta y luego procedo a un lavado fino sobre la pizarra para delinear los colores generales y los valores tonales. Después de eso, procedo con la pasada de detalle principal, usando pintura bastante espesa con poco o ningún medio. Esta fase es, sin duda, la que lleva más tiempo, a menudo lleva muchos meses. Una vez terminado, repaso la mayor parte de la pintura con pasadas finas transparentes y esmaltes, modulando los colores y agregando sutileza adicional a las superficies. Es un proceso que en sus particularidades es, creo, totalmente mío, ya que ha evolucionado a través de muchas pruebas y errores agonizantes. Dicho esto, todavía soy consciente de los muchos defectos que tiene, y en este momento estoy en el proceso de desarmarlo todo y buscar si hay una forma más racional de volver a armarlo.

“Creo que la realidad en su núcleo es una desordenada tormenta de partículas desestructuradas al azar, y cualquier orden que impongamos es simplemente una invención de nuestra imaginación”.

Sus obras pueden describirse como provocadoras, técnicamente brillantes, desafiantes … pero quizás nunca como edificantes, alegres. ¿Alguna vez ha considerado un viaje en el lado más ligero, o prefiere dejar eso a otros? … y si es así, ¿quién es el trabajo que te saca ese otro lado cuando lo ves?

Personalmente, considero que muchas de mis obras tienen una calidad edificante. Quizás sea el marco de referencia inicial de las personas lo que colorea sus interpretaciones finales. Mi perspectiva de la vida podría clasificarse como bastante sombría, supongo. Soy un materialista y nihilista que rechaza cualquier concepción significativa del libre albedrío y que ve la vida interna de las personas como un conglomerado turbio e incoherente de procesos mentales evolucionados que se engaña a sí mismo haciéndole creer que tiene un grado de acción independiente. Creo que la comunicación significativa es casi imposible en muchos sentidos, incluso entre esos otros seres humanos con los que podrías tener más puntos en común. Creo que la realidad en su núcleo es una desordenada tormenta de partículas desestructuradas al azar, y cualquier orden que impongamos es simplemente una invención de nuestra imaginación. Dado ese punto de partida, hay belleza y serenidad en los más pequeños actos de bondad o interacción. Es todo lo que podemos esperar, y eso lo hace aún más profundo.

“Indudablemente los filósofos tienen razón, cuando nos dicen que nada es grande o pequeño si no es en comparación”. –

Jonathan Swift, Los viajes de Gulliver

EXTRA REFERENCIAS DE JEREMY GEDDES

Zdzisław Beksiński // “Sin título” – Desde el momento en que me topé con el trabajo de Beksiński hace 25 años, nunca dejó de tener un efecto profundo y profundo. Sus obras, aunque a veces realistas, a veces abstractas, parecen habitar un universo consistente. Uno que obedece sus propias leyes físicas sobrenaturales y su epistemología alienígena.

René Magritte // “El imperio de la luz”, 1953-1954, óleo sobre lienzo: una impresión de esta pintura estaba colgada en una sala de arte de mi escuela primaria y me cautivó por completo. Era difícil concentrarse en otra cosa. Era la primera vez que recuerdo haber visto una imagen que utilizaba una yuxtaposición conceptual para crear una realidad que era al mismo tiempo completamente convincente pero también completamente imposible.

Colin Hay // Cuando tenía ocho o nueve años descubrí que la biblioteca de mi escuela primaria tenía una copia de Spacewreck: Ghostships and Derelicts of Space. Las imágenes, antiguos restos de enormes naves espaciales asomándose por las marquesinas de la jungla, astronautas muertos durante milenios dando tumbos por el espacio atados a su equipo roto, fue la primera introducción que tuvo mi cerebro formativo a la noción de tiempo profundo. Tiempo en una escala tan vasta que todas las preocupaciones y logros humanos fueron tragados sin previo aviso.

John Harris // “Gully Foyle’s Fate”: las hermosas pinturas de Harris han estado en mi vida desde que tengo memoria. Su uso sin esfuerzo de la pintura para comunicar la escala es algo que nunca deja de impresionarme.

Antonio López García // “Gran Vía”, 1974-1981 – García es un pintor deslumbrante por muchas razones, pero la razón por la que este cuadro es tan importante para mí es lo de cerca que lo he estudiado. Estoy infinitamente impresionado de cómo, tras una inspección muy de cerca, sus formas arquitectónicas emergen de un revoltijo de caóticas marcas de pincel; marcas que en sí mismas parecen hablar de la naturaleza ópticamente distorsionante del propio aire de la ciudad.

Ernest Meissonier // “La barricada, rue de la Mortellerie”, 1848 – Me he sentido atraído por Meissonier por su virtuoso control de la pintura. Y después de leer “El juicio de París”, de Ross King, me alegré de encontrar un pintor que fuera aún más lento que yo. 🙂 Esta pequeña pieza íntima es mi favorita de él, y se aparta bastante de sus grandes obras habituales de la historia napoleónica.

Andrew Wyeth // “Adrift”, 1982 – Podría contemplar las obras bastante melancólicas de Wyeth para siempre. La impecable composición de esta pieza me deja asombrado.

Texto recuperado de https://beautifulbizarre.net/ publicado en marzo / mayo de 2020 por Richard Purssey y Caitlyn Gregson – traducción YVR

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