BREVE HISTORIA DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA EN ESTADOS UNIDOS

Una revisión de la historia de la educación artística en el público de los Estados Unidos arroja luz sobre la tendencia general de la formación desde su introducción en el sistema escolar hasta la época.

La educación artística era algo prácticamente desconocido hace dos años. Sin embargo, fue defendida nada menos que por un autor, Benjamin Franklin, en 1749 en su Sugerencias propuestas para una academia. En 1821, la instrucción artística de un carácter muy primario estaba en el plan de estudios de las escuelas públicas, pero el movimiento tuvo mucha oposición y muchos reveses. Durante el próximo año, el trabajo artístico se introdujo en las escuelas de la ciudad de Filadelfia, Baltimore, Cleveland y muchas otras ciudades de los EE. UU. Masachusetts fue el primer estado en adoptar el arte como parte de su programa de generación. El paso inicial se dio en 1860. En visiones para la instrucción del arte en todo el mundo hecho en las leyes del estado.

La obra de arte fue defendida por Rembrandt Peale de Filadelfia en 1840 como una forma de gráficos: el arte de la delineación precisa, un sistema de ejercicios escolares para la educación del ojo y el entrenamiento de la mano, un auxiliar para la escritura, la geografía y el dibujo.

William Minife, de Baltimore, en 1848, abogó por el arte como una formación en el gusto de todos los alumnos y como un medio para descubrir el talento artístico para su uso en las industrias. Un párrafo tomado de uno de los primeros escritos de este autor expone sus ideas:

Para conseguir buenos diseñadores debemos tomar los medios adecuados para educar, y si queremos hacer del dibujo una rama de la educación escolar común, deberíamos tener la oportunidad de seleccionando a los que demuestren un talento superior para el arte y, al mismo tiempo, mejorando el gusto de todos, deberíamos crear en muchos una apreciación de lo bello y, en consecuencia, extender mucho el consumo de las producciones artísticas.1

La Feria Mundial de Chicago de 1893 fue la feria mundial más influyente de la historia. Presentó a Estados Unidos y al mundo tecnologías e ideas deslumbrantes: los milagros de la electricidad, las películas, las nuevas culturas y la rueda de la fortuna. Se convirtió en el modelo a seguir para todos los parques temáticos y ferias.

El dibujo se introdujo en Massachusetts principalmente como una forma de contribuir a la industria, como se afirma en los primeros informes sobre educación del estado: «para influir tanto en la producción industrial que este artículo de fabricación se compararía favorablemente con los productos extranjeros».

Un motivo más amplio para la enseñanza del arte apareció a principios de los ocho, como se desprende de un informe sobre el arte escolar en Boston, fechado en 1882.

La educación artística, incluso para los niños pequeños, significa algo más que la instrucción en el dibujo. Comprende el cultivo del ojo, para que pueda percibir la forma; de la mano, para que pueda representar gráficamente la forma (dibujo de la mente, para que pueda recibir y expresar ideas con respecto a la forma. Parece apropiado, entonces, que estas lecciones se denominen «lección de forma». Los maestros deben considerarlas como tales). , y deben dirigir su enseñanza a la creación en la mente de sus alumnos de una concepción correcta de las formas simples, en lugar de dar instrucción meramente en el dibujo.

Bruce James Talbert, diseño para el papel pintado ‘El girasol’, 1878
V&A, Londres Arte por el bien de las artes: el movimiento estético de 1860 a 1900

Es interesante notar que algunos de los instructores de arte en los primeros tiempos, al escribir sobre la enseñanza del arte, tenían puntos de vista similares a los que adoptamos hoy. Así, en palabras de una co-misión, «la instrucción debe ser variada y racional, el objetivo no debe ser hacer expertos en una sola cosa, sino impartir un gusto, un conocimiento y una habilidad de utilidad universal».2

Es evidente, sin embargo, que frases como las utilizadas en la cita anterior no fueron interpretadas en 1876 como en 1923. Además, podemos sacar la conclusión de los informes de las primeras exhibiciones del trabajo escolar que había poca organización del sistema y mucho éxito. o -miss método en estos primeros intentos.

La educación artística ha progresado notablemente desde su introducción experimental en las escuelas públicas en 1821, pero es difícil obtener una historia confiable del movimiento debido a la falta de informes impresos adecuados y datos precisos sobre el tema. Se puede obtener una idea bastante completa del desarrollo de la enseñanza en los Estados Unidos al estudiar los informes de las primeras exhibiciones de trabajos escolares, en los que hubo poca organización del sistema y mucho método de acertar o fallar en estos primeros intentos. hizo un progreso notable desde su introducción experimental en las escuelas públicas en 1821, pero es difícil obtener una historia confiable del movimiento debido a la falta de informes impresos adecuados y datos precisos sobre el tema. Se puede obtener una idea completa del desarrollo de la enseñanza en los Estados Unidos estudiando los informes de las diversas exposiciones importantes del país donde se han exhibido estudios públicos.

La exhibición de arte de la Exposición del Centenario de Filadelfia del público de Massachusetts en 1876 creó gran interés. Este trabajo se caracterizó en gran medida por un dibujo recto, formas y diseños geométricos, líneas de perspectiva y luces y sombras.

La enseñanza del arte se desarrolló rápidamente en la escuela, volviéndose menos formal y geométrica, y se abrió a las posibilidades de la enseñanza del color cuando se inauguró la Exposición de Trabajo en Chicago (1893) y dio el mayor estímulo para el arte que había recibido hasta el momento en que hubo mejoras. en papel, pinturas, crayones, pinceles, y todos los materiales y métodos. Dando como resultado grandes pasos en las escuelas. Sin embargo, la introducción a las escuelas de estos nuevos materiales para enseñar el interés en el desarrollo de nuevos métodos y hacer que los materiales dominen el curso de estudio. parecía ser ampliar al límite las posibilidades de las nuevas agencias de enseñanza del arte. La evaluación de la practicabilidad de este trabajo para el estudiante parece no ser considerada en absoluto.

Los maestros de arte durante este período dependían de las casas comerciales para obtener sus suministros y equipos para el trabajo artístico. También dependían de estas casas comerciales para gran parte del incentivo para enseñar la materia, para la materia de los cursos, para los cuadernos y para muchas otras ayudas. Era inevitable en tales condiciones que las editoriales y las editoriales, al haber descubierto un rico campo de explotación, dominaran durante muchos años la obra de educación artística en las escuelas públicas. Somos plenamente conscientes de que se ha hecho una gran contribución al fomento del trabajo artístico en las escuelas públicas mediante el suministro de material y equipo que de otro modo no habría estado disponible. Reconocemos la deuda. Sin embargo, la educación artística ha llegado a un punto en su desarrollo en el que sus objetivos y políticas deben estar determinados no por intereses comerciales, sino por la investigación educativa científica.

Después de la Exposición Universal, la enseñanza del arte tendió pronto a un «arte por el arte» y pasó a un extremo desde el cual reaccionamos hoy en las escuelas. La enseñanza del arte tiene un extremo a otro, y en la actualidad parece estar enfatizando las aplicaciones a la industria como lo hizo en los primeros días cuando se introdujo por primera vez. Esperemos que pronto llegue a un término medio de eficiencia y se detenga allí.

En la Exposición de St. Louis en 1904, el llamado Movimiento hizo su aparición, y el arte coordinado y el entrenamiento manual se hicieron evidentes. La Exposición de Jamestown (1907) muestra a los maestros de arte y formación manual unidos en el esfuerzo por producir productos de arte industrial dignos. Las Exposiciones de San Francisco y San Diego (1915) muestran una relación aún más estrecha entre el arte y la educación industrial. Los objetos fueron hechos con un uso práctico definido en vista, demostrando la unión de la belleza y la utilidad, el arte en las cosas comunes y para las masas.

Hoy en día, el énfasis está más en lo práctico que nunca. Esta tendencia puede haber sido acelerada por la guerra; sin embargo, se está volviendo extremo. Incluso un énfasis extremo en las aplicaciones industriales puede considerarse mejor que una tendencia extrema a alejarse de tales formas prácticas de arte. En todo caso, es mejor que el viejo método de perder el tiempo en ejercicios formales sin objetivo. Por otro lado, los cursos que capacitan al alumno solo para la práctica no son lo suficientemente amplios. Este trabajo debe complementarse con entrenamiento mental y pensamiento artístico, juicio artístico y apreciación artística.

“Estamos aprendiendo rápidamente a pensar en la obra de arte, el dibujo, la construcción, el diseño, etc., no como una materia especial, sino como parte de un currículo bien organizado en la escuela pública. Sin arte hay una incompletud que nada puede superar. A través de la correlación y la cooperación eficiente, el trabajo de arte se convierte en una «mano amiga, una especie de vínculo que une a todos los sujetos y hace que cada estudio en la escuela sea más interesante y valioso».

El cuadro está diseñado para mostrar gráficamente la tendencia de la educación artística en los Estados Unidos desde su introducción en 1821. Las líneas verticales en el centro pretenden representar el «medio feliz» de la formación artística, un tipo de formación artística de el mismo valor para todos los alumnos de la escuela pública, independientemente de cuál sea su futura vocación. La línea serpentina, que fluctúa de un objetivo de la formación artística a otro, sugiere dónde se ha puesto énfasis en la enseñanza del arte hasta el momento actual. Los reportajes que describen las obras de arte de las escuelas públicas mostradas en las diversas exposiciones realizadas en este país han sido la base para el trazado de esta línea. La línea curva cruza las líneas verticales en el centro en dos lugares. Esto no significa que en estos puntos se enseñaran obras de arte de igual valor para todos los alumnos.

Se observará, sin embargo, que en la actualidad la curva parece estar oscilando de nuevo hacia el tipo de obra de arte «feliz-mediana» de valor para todos los alumnos. La formulación de un curso de esta naturaleza es el problema de los trabajadores del campo de la educación artística en la actualidad. Tal curso de estudio en arte para la escuela primaria y para los dos primeros años de la escuela secundaria parece estar desarrollándose en muchas escuelas progresistas. En los dos últimos años del bachillerato se ofrecen cursos electivos de tipo semiespecializado o prevocacional, conducentes a las bellas artes o ha las artes industriales para los estudiantes que deseen especializarse en estas materias.

Un programa moderno de educación artística para la escuela primaria comprende una base de apreciación del arte y suficiente trabajo técnico para que el alumno adquiera los datos y la información fundamentales en el arte que lo prepararán para enfrentar los problemas artísticos de la vida cotidiana, para apreciar y disfrutar. obras de arte dignas, y conocer y apreciar al máximo las bellezas de la naturaleza.

Un programa de este tipo debe llevar al niño a la plena posesión de su herencia como miembro de una civilización culta y refinada. Debería darle una comprensión del mejor arte de tiempos pasados y un conocimiento de lo mejor del arte moderno. Debería hacerle comprender que el arte real puede existir en las cosas comunes de la vida cotidiana. Debe estar capacitado, no solo para juzgar la calidad del arte con autoridad, sino también para producir calidad del arte de manera efectiva en su entorno, cualquiera que sea.

Para que se enriquezca la capacidad de comprensión y apreciación, se deben realizar ejercicios cuidadosamente planificados de dibujo, diseño y construcción (artes industriales) en coordinación con el curso. Dichos ejercicios pueden estar motivados por las lecciones que se presentan en el curso de apreciación. Por ejemplo, a los estudiantes que realizan un estudio de imágenes se les pueden dar ejercicios de dibujo y trabajo de color; los estudiantes de escultura pueden recibir ejercicios de modelado; y los estudiantes que estudian cerámica, muebles o textiles pueden tener problemas en alfarería, construcción en madera o tejido; mientras que los estudiantes que estudian arreglos interiores pueden tener problemas en la planificación y decoración del hogar. Se pueden desarrollar ejercicios similares para cubrir un amplio campo. El trabajo de este tipo puede considerarse como una verdadera obra de arte. Los cursos de apreciación sin expresión ni construcción no son cursos de arte. La apreciación sin expresión no es arte, sino un subproducto del arte. La combinación de apreciación y producción en el curso de arte vitaliza el trabajo y le da una base real práctica y utilizable.

El reconocimiento del objetivo dual moderno de apreciación y comprensión práctica de la calidad del arte como base para el trabajo artístico de las escuelas públicas es la tendencia más prometedora que ha exhibido la educación artística desde su introducción en el sistema escolar en 1821.

Para que se enriquezca la capacidad de comprensión y apreciación, se deben realizar ejercicios cuidadosamente planificados de dibujo, diseño y construcción (artes industriales) en coordinación con el curso. Dichos ejercicios pueden estar motivados por las lecciones que se presentan en el curso de apreciación. Por ejemplo, a los estudiantes que realizan un estudio de imágenes se les pueden dar ejercicios de dibujo y trabajo de color; los estudiantes de escultura pueden recibir ejercicios de modelado; y los estudiantes que estudian cerámica, muebles o textiles pueden tener problemas en alfarería, construcción en madera o tejido; mientras que los estudiantes que estudian arreglos interiores pueden tener problemas en la planificación y decoración del hogar. Se pueden desarrollar ejercicios similares para cubrir un amplio campo.

El trabajo de este tipo puede considerarse como una verdadera obra de arte. Los cursos de apreciación sin expresión ni construcción no son cursos de arte. La apreciación sin expresión no es arte, sino un subproducto del arte. La combinación de apreciación y producción en el curso de arte vitaliza el trabajo y le da una base real práctica y utilizable.

El reconocimiento del objetivo dual moderno de apreciación y comprensión práctica de la calidad del arte como base para el trabajo artístico de las escuelas públicas es la tendencia más prometedora que ha exhibido la educación artística desde su introducción en el sistema escolar en 1821.

Clase de arte para adultos en el Museo de Brooklyn en 1935.

1 Royal Bailey Farnum, Situación actual del dibujo y el arte en las escuelas secundarias elementales de los Estados Unidos, pág. 14. Boletín de la Oficina de Educación No. 1914-
2 «Registros y premios», Informe de la Comisión del Centenario de los Estados Unidos, 1876,
vol. VIII, pág. 28. Editado por Francis A. Walk

‘ Louise D. Tessin, «The Old Order Changeth», School Arts Magazine, XXI (marzo de 1922), 3

Texto publicado por The University of Chicago Press escrito por W. G. Whitford en 1923

Traducción YVR

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